Американский художник, скульптор, философ и публицист Барнетт Ньюман (Barnett Newman, 1905-1970) считал, что «творчество - не только высшее, но и первичное состояние человеческого сознания» .

Но чтобы доказать это миру, представителю абстрактного экспрессионизма пришлось пережить шквал недовольства и непонимания со стороны критиков, уничтожить свои работы, созданные за 40 лет, взять восьмилетнюю паузу и только после всего пережитого стать образцом высокого модернизма.

А теперь обо всем по порядку.

Нью-Йорк, США. 29 января 1905 год. В семье еврейских эмигрантов из Польши родился будущий художник Барнетт Ньюман. Интерес к живописи появился у мальчика еще в школе. Постепенно он перерос в дело всей жизни, а полученная философская степень, только усилила желание доказать миру, что «первый человек был художником!» , потому что «Адам, вкусив от Древа познания, стремился обрести творческую жизнь, дабы быть как Бог - «творцом миров» .

Ранние работы живописца - это свободные ассоциации, сновидения или, другими словами, манера автоматизма. В стиле Джексона Поллока Ньюман в 1944-1945 годах создает серию каллиграфически-сюрреалистических рисунков Untitled («Без названия»), The Blessing («Благословение»).

Полотна, представленные на персональной выставке в 1950 году, отличаются использованием аллюзий и парадоксальным сочетанием форм. Означать многое или не значить ничего-принцип сюрреализма, поэтому раннего Ньюмана каждый понимает по-своему. Сам же художник заявлял, что его работы богаты эмоциональным содержанием. Он поставил для себя высокую цель - обращаться к эпохальным понятиям: человек, природа, жизнь, смерть.

Названия картин Ньюмана призваны вызывать те чувства и эмоции, которые автор передает одним лишь цветом в беспредметном мире. К сожалению, критики обвинили его работы в пустоте. В свою очередь, нелестные отзывы заставили Ньюмана на какое-то время уйти с арены искусства, но, как оказалось, не уйти, а затаиться. Восьмилетний перерыв привел художника к абстрактному экспрессионизму.

Точкой отсчета нового витка творчества экспрессиониста стала ретроспектива его работ. Произведения Барнетта Ньюмана, представленные публике в 1858 году, были выполнены в совершенно новой манере. Его полотна стали большего формата и были выполнены в ярких тонах. На них появилась так называемая «застежка-молния» или вертикальная полоса - визитная карточка Ньюмана.

Серия Onement («Искупление»), состоящая из шести картин, отражает гармонию и полноту жизни. Художник черпал вдохновение из философских величин, поэтому все работы можно считать символичными, а их название - метафоричны. Границы тонов на них на самом деле ничего не разделяют, а провозглашают один из главных американских принципов - свободу. Американский арт-критик Клемент Гринберг писал:

«Границы больших полотен Ньюмана играют ту же роль, что и внутренние линии форм. Они делят, но ничего не разделяют, не замыкают и не изолируют. Они устанавливают границы, но ничего не ограничивают»

Кроме живописи Ньюман работал и над скульптурой. Broken Obelisk («Разбитый обелиск») впечатляет своей монументальностью. Это перевернутый обелиск, который кажется парящим в воздухе. Пирамиды и обелиски издавна считались символом смерти, но художник переосмысливает это понятие, превращая смерть в бесконечную жизнь.

Создавая абстрактные полотна, Барнетт Ньюман изобрел собственную инструкцию для понимания его работ. Он настаивал, что его полотна, вопреки действующему принципу, необходимо рассматривать не с расстояния, равного высоте полотна, а находясь исключительно вблизи него. Это создает эффект погружения в мир красочных полей.

Немного позже великий представитель абстрактного экспрессионизма стал размещать таблички с инструкциями прямо на выставках, считая, что вблизи его работы способны взывать к самосознанию человека.

1. Пабло Пикассо. Сон — $155 миллионов

Эту работу мастер написал в 1932 году в своём замке Буажелу, расположенном в 63 км от Парижа. Позировала ему Мария-Тереза Вальтер, бывшая на то время единственной его моделью, героиней и музой. «Сон» был создан в так называемый «период сюрреализма», один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Среднего размера холст (130х97 см) впервые был выставлен на продажу на аукционе Christie"s 11 сентября 1997 года и ушёл с молотка за $48,4 миллиона. Спустя 9 лет картина вновь появилась на арт-рынке, но уже со стоимостью в $139 миллионов. Однако перед самой продажей произошло непредвиденное происшествие. Владелец картины Стив Уинн за день до обмена на уже обговоренную сумму, стоя спиной к картине, рассказывал своим гостям о жизни художника. Он был настолько увлечён своим рассказом и так эмоционально заряжен, что всё время жестикулировал. И вот в очередном порыве Стив Уинн неожиданно правым локтем попал в картину и порвал её. Естественно, сделка отменилась, а картина ушла на реставрацию. В конце марта 2013 года стало известно, что прежний претендент на картину Стивен Коэн, тот самый, который после «порчи» полотна отказался от его покупки, вновь заявил о своём желании купить отреставрированный шедевр. На этот раз всё прошло гладко, и «Сон» Пикассо был продан за рекордные для этого живописца $155 миллионов (Стивен Коэн выразил мнение, что после реставрации картина стала лучше, и сам накинул $16 миллионов сверху). Дороже Пикассо ещё никто не покупал.

2. Фрэнсис Бэкон. Три этюда портрета Люсьена Фрейда — $142,4 миллиона

Эта работа была написана художником в 1969 году в Лондонском королевском колледже искусств. Изображён на ней другой британский живописец и близкий на тот момент друг Бэкона Люсьен Фрейд. Каждая часть триптиха имеет одинаковый размер 198x147,5 см. Впервые он был показан на выставке в Турине, в Galleria d’Arte Galatea. В середине 70-х годов прошлого века три части триптиха после выставки в Гран-Пале разъехались в разные стороны — Рим, Париж и Японию, и лишь в конце 80-х усилиями итальянского коллекционера из Рима Франческо де Симон Никеса были снова воссоединены и показаны в 1999 году в американском Йельском центре британского искусства. 12 ноября 2013 года в течение 6 минут триптих был продан на аукционе Christie"s за рекордную для открытых торгов цену — $142,4 миллиона. Изначально имя покупателя не сообщалось, но через некоторое время оно всё же стало известно. Вопреки предполагаемым слухам, по которым работу английского художника купила сестра эмира Катара Аль-Маясса-бинт-Хамад-бин-Халифа-аль-Тан и, на самом деле счастливой обладательницей триптиха Фрэнсиса Бэкона «Три этюда портрета Люсьена Фрейда» стала 70-летняя Элейн Уинн, бывшая жена американского магната Стива Уинна, того самого, который проткнул локтем Пикассо.

3. Барнетт Ньюман. Свет Анны — $106 миллионов

У Барнетта Ньюмана всего девять публичных продаж (в отличие от того же Пикассо, у которого их уже было 359), что не мешает этому американцу состоять в элитном дивизионе самых дорогих художников. Собственно у Барнетта Ньюмана не так много и произведений для продажи — всего 120, поскольку все свои ранние работы он в 1940 году самолично уничтожил. Полотно «Свет Анны», написанное Ньюманом в 1968 году и названное так в память о своей матери, умершей в 1965, является самым большим из всего творческого наследия художника. Его размеры действительно впечатляют — 610,5x275 см. Для Ньюмана это было очень важно, он придавал размеру особое значение, как основному компоненту визуального опыта. Ну и конечно нельзя забывать про массив красного цвета, который накатывался художником в несколько слоёв, чтобы достичь нужной насыщенности и сделать его для зрителя физически осязаемым, доминирующим над ним. Человек сталкивался художником с волной неделимого цвета, что по его мнению, и должно было стать конструктивным началом нового мира, потому что, по словам самого Ньюмана, «человек — существо трагическое, и суть этой трагедии кроется в метафизической проблеме части и целого».

4. Энди Уорхол. Серебряная автокатастрофа (Двойная авария) — $105,4 миллиона

Эта работа короля поп-арта, датированная 1963 годом, представляет собой холст 250x400 см, на который методом шелкографии (излюбленная техника Уорхола) был перенесён и размножен взятый из газеты снимок автомобиля, врезавшегося в дерево. Для этой работы Уорхол использовал серебристую отражающую краску. Это одна из четырёх двухчастных работ Уорхола 1963 года с изображением автокатастроф, где на одной половине запечатлена дорожная авария, а другая представляет собой монохромную серебристую поверхность. Остальные три работы серии под общим названием «Смерть и катастрофы», хранятся в музейных коллекциях США, Швейцарии и Австрии. На мой взгляд, у Уорхола вышла отличная метафора жизни и смерти, когда трагедия соседствует со всеобъемлющей пустотой. Картина уже прошла через коллекции Гюнтера Закса, Чарльза Саатчи и Томаса Аммана, что только прибавляет ей коллекционный вес и увеличивает цену.

5. Джефф Кунс. Собака из воздушного шара — $58,4 миллиона

Наследник Дюшана и яркий представитель симуляционизма в современном искусстве, Джефф Кунс создал в 1990-е годы целую серию скульптур, имитировавших игрушки из продолговатых воздушных шаров. Собак было отлито пять экземпляров. Все они изготовлены из блестящей, полированной до зеркального блеска стали и отличаются друг от друга только цветом. Помимо проданной за $58,4 миллиона оранжевой «Собаки из воздушного шара», существуют ещё пурпурная, красная, жёлтая и синяя. Высота гигантских собак достигает трёх метров, а весит каждая по тонне. Скульптуры из этой серии входят в собрания известных коллекционеров Стивена Коэна, Эли Броуда и Франсуа Пино. После продажи 2013 года Джефф Кунс приобрёл статус самого дорогого из ныне живущих художников.

6. Джексон Поллок. Номер 19 — $58,4 миллиона

Джексон Поллок, работавший в придуманной им же технике дриппинга (разбрызгивания), создал «Номер 19» в далёком 1948 году, когда абстрактный экспрессионизм в Америке только зарождался. При этом надо понимать, что абстрактный экспрессионизм не был каким-то единым направлением со своими стилистическими особенностями, а скорее общей точкой зрения на саму природу искусства — спонтанным выражением внутреннего мира, субъективными ассоциациями подсознания в неорганизованных логическим мышлением абстрактных формах. И в этом смысле Поллок —самый влиятельный проповедник этого движения и абсолютный классик. Его «живопись действия» дала мощный толчок зарождавшемуся новому искусству. Имеющая небольшой размер (78,4x57,4 см), картина Джексона Поллока «Номер 19» была написана в наиболее продуктивный период жизни мастера, незадолго до его первой персональной выставки в галерее Бетти Парсонс, которая стала сенсацией и имела финансовый успех. Как видно теперь, этот успех сопровождает работы Поллока и по сей день.

7. Энди Уорхол. Кока-Кола (3) — $57,3 миллиона

И снова в списке человек, придумавший дискотечный зеркальный шар — Энди Уорхол. На этот раз с оригинальным чёрно-белым изображением бутылки «Кока-Колы» в человеческий рост (176,2х137,2 см), созданным в 1962 году. Считается, что именно с этой работы и началось шествие поп-арта по планете. Многие говорят о том, что Уорхол создал «портрет поколения», выбрав для его изображения на холсте универсальный символ. Сам же мастер объясняет свой выбор так: «Что делает Америку великой, так это то, что самые богатые люди покупают ровно те же товары, что и самые бедные. Ты знаешь, что президент пьет Coca-Cola, Лиз Тэйлор в восторге от Coca-Cola и ты, только представь, ты тоже можешь пить Coca-Cola! Coca-Cola всегда остается той же Coca-Cola, сколько бы денег ты ни заплатил». Справедливости ради надо сказать, что Энди Уорхол был не первым художником, которого вдохновляла бутылка «колы». Известно, что Сальвадор Дали и Марисоль Эскобар также испытывали к ней нежные чувства, но именно Уорхолу удалось создать из неё окончательный шедевр.

8. Рой Лихтенштейн. Женщина в шляпке с цветами — $56,1 миллиона

В основе этой известной небольшой поп-арт работы (127х101,6 см) одноимённая картина Пабло Пикассо 1940 года. По мысли Лихтенштейна, испанский мастер стал объектом поп-культуры ещё при жизни и поэтому он должен теперь принадлежать всем. Пикассо, кстати, был не единственным художником, которого Лихтенштейн «переводил» таким образом на упрощённый язык поп-культуры. Были ещё Моне, Матисс, Леже, Мондриан. Но если основной идеей поп-арта было превращение товара в искусство, то здесь вся ирония заключалась в обратном движении. Таким образом Рой Лихтенштейн, получивший классическое образование в области изящных искусств, «избавлялся» от влияния маститых предшественников, под которые попал ещё в юношестве, иронически переводя их работы в регистр стереотипного массового сознания при помощи кричащих цветов, имитации промышленной типографской печати и эстетики комикса. Но как оказалось, шедевры, превращённые рукой Лихтенштейна в «фальшивку», сегодня возвращаются к нам новыми шедеврами.

9. Альберто Джакометти. Большая тонкая голова (Большая голова Диего) — $50 миллионов

Скульптура Альберто Джакометти, созданная в 1955 году, представляет собой бюст высотой 65 сантиметров, изображающий младшего брата скульптора, который был его любимым натурщиком на протяжении всей жизни. Отлитая из бронзы она предназначалась для установки на уличной площади в Нью-Йорке, но так туда и не добралась. Наряду с его легендарным «Шагающим человеком», эта скульптура также считается знаковой для творчества Джакометти. «Большая голова Диего» — одна из самых радикальных и эмоциональных работ автора. Его своеобразная техника создаёт впечатление незавершённости и символизирует несовершенство мира, а уязвимость, хрупкость и беззащитность человека в образах мастера воплощают идеи экзистенциализма — окружающая среда подобно кислоте разъедает и деформирует поверхность тела, заставляя человека мужественно проживать свою жизнь в вечном движении и вечном поиске лучшей участи. К сожалению, работа над «Большой головой Диего» была приостановлена из-за смерти автора. Так что, по сути дела — это одна из последних работ Джакометти.

10. Жан-Мишель Баския. Затуманенные головы — $48,8 миллионов

Как ни крути, а на неоэкспрессиониста Жана-Мишеля Баскию, певца нью-йоркского андеграунда первой половины 80-х, открывшего для нас мир граффити и умершего в возрасте 27 лет от передозировки героином, работает его яркая и короткая история жизни. Художника наконец-то «распробовали» и теперь ставят в один ряд с Уорхолом и Поллоком, двумя колоссами американского искусства XX века. Это красноречиво подтверждают и аукционные торги. Прошлый максимум на продажу картин этого художника был зафиксирован на отметке $28,97 миллиона. Теперь и она пройдена и, судя по оценкам специалистов, это не предел — цена будет только расти. Картина «Затуманенные головы» (182,8х213,3 см) — ранняя работа художника, написанная им в 1982 году, как раз в то время, когда его увлекали ритуальные маски, скелеты и гаитянские сюжеты, и когда состоялось определившее его дальнейшую жизнь знакомство с Энди Уорхолом, с которым, кстати, он впоследствии создал несколько совместных произведений.

Ба́рнетт Нью́ман, также Нью́мен (англ. Barnett Newman; 29 января 1905, Нью-Йорк - 4 июля 1970, Нью-Йорк) - американский художник, видный представитель абстрактного экспрессионизма.

БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА

Ньюмен родился в семье еврейских эмигрантов из Польши. После обучения живописи в Художественной студенческой лиге (Art Students League) у Дункана Смита сумел лишь с 1937 года целиком посвятить себя искусству.

Вначале работал в манере автоматизма, создав в 1944-1945 годах серию каллиграфически-сюрреалистских рисунков и основав 3 годами позже совместно с , Уильямом Базиотисом и Робертом Мазервеллом художественную школу. В это время художник пишет свои абстрактно-экспрессионистские полотна.

Только в 1950 году Барнетт Ньюмен организует свою первую персональную выставку, которая была встречена уничтожающей критикой. После этого художник делает 8-летнюю паузу, которую посвятил развитию своего мастерства. Результатом стала ретроспектива его работ в 1958 году, которую он представил общественности. Его картины представляют собой в большинстве одноцветные поверхности, как бы «прошитые» контрастирующими основному тону цветными линиями.

В 1966 Лоренс Эллоуэй организовал выставку в музее Соломона Гуггенхейма в Нью-Йорке под названием “Крестный путь”. Она развеяла последние сомнения даже у тех художников, которые ценили в Ньюмане технические качества (яркость цвета, большой формат), а не истинный, метафизический смысл его творчества.

“Мастерская — это святилище”, — заявлял художник.

Последние работы Ньюмана — композиции в форме равнобедренного треугольника. Ретроспективные выставки работ Ньюмана прошли в 1972 в Нью-Йорке, а затем в Лондоне, Амстердаме и Париже. Его картины представлены во многих частных и публичных собраниях в Нью-Йорке (Музей современного искусства), Лос-Анджелесе (“Onement VI”, 1953, собрание Вейсмана), Базеле (“Day before one”, 1951), Лондоне (“Адам”, 1951- 1952, гал. Тейт), Стокгольме (“Терция”, 1964, Нац. музей) и Хьюстоне (собрание Менил). В Нац. музее современного искусства. Центре Помпиду в Париже хранится картина “Shining Forth” (1961) и собрание гравюр.

ТВОРЧЕСТВО

Клемент Гринберг писал: “Границы больших полотен Ньюмана играют ту же роль, что и внутренние линии форм. Они делят, но ничего не разделяют, не замыкают и не изолируют. Они устанавливают границы, но ничего не ограничивают”.

Ньюмана называли образцом высокого модернизма, предшественником минимализма, экзистенциалистом и духовным художником, черпающим вдохновение в еврейском мистицизме. Сам Ньюман заявил в 1947 году, когда пришел к зрелому стилю, что любое искусство, достойное своего имени, должно обращаться к «жизни», «человеку», «природе», «смерти» и «трагедии». Ньюман всегда настаивал на богатом эмоциональном содержании своей работы, хотя при жизни его творчество вызывало непонимание и обвинения в «пустоте».

Ньюман является одним из ведущих представителей американского послевоенного искусства. Наряду с Ротко и Стиллом, он представляет часть нью-йоркской школы, враждебно настроенную по отношению к живописи действия. До 1960 он играл довольно скромную роль. Однако строгие формы и широкие поверхности Ньюмана оказали особенно заметное влияние на и, особенно, для которых главной проблемой были вертикальные поля цвета и их расположение в пространстве.

Затем художник начал работать в большом формате и в ярких тонах, так, что вертикальные цветовые поля приобрели рельефность и их протяженность в пространстве полностью поглотила внимание зрителей (“Абрахам”, 1949, НьюЙорк, Музей современного искусства). Так был нарушен примитивный прямоугольник картины. Вписанное в прямоугольник вертикальное деление стало следующим фактором между частями; оно подтверждает внутри плоскости первоначальную схему: каждая часть картины находится в другой в отношениях формальной аналогии, так же, как и вся картина соотносится со стеной (“Кто боится красного, желтого, синего?”, 1966-1967, Амстердам, Гор. Музей).

Но нельзя рассматривать это направление с чисто формальной точки зрения. Сам художник считает свои работы почти символичными. Как и у других мастеров того поколения, названия его картин часто метафоричны и многозначны, одновременно интеллектуальны и поэтичны.

СЕРИЯ “ONEMENT”

“Onement” (шесть картин носят это название) отражает гармонию, совокупность, полноту. Биограф художника Томас Хесс замечает, что в английском языке не существует слова “onement”, оно происходит от “atonement”, что означает “искупление”.

Серия “Onement” – один из основополагающих проектов творчества Ньюмана. Полотна этой серии, не вдаваясь в тонкости, демонстрируют характерный для художника творческий метод работы: разноцветный или однородный фактурный фон с вертикальными полосами. Их сам художник называл молниями (zip). Говорил, этот термин более подходящий – ассоциировавшийся с движением и незавершенностью. Фразу «законченное произведение» Ньюман считал шарлатанской. “Onement1” (1948) — первая живописная работа, в которой ясно выразилось направление поисков: большая оранжевая лента, проходящая не по центру картины, создает эффект постоянного динамизма.

Кроме того, художник работал и над скульптурой, главным образом из стали (“Here 1”, 1962; “Here II”, 1965; “Here III”, там же; “Разбитый обелиск”, 1963-1967; “ЗимЗум”, 1962), над макетом синагоги (1963) и литографиями (“Кантос”, 1963-1964, Париж, Нац. Музей современного искусства. Центр Помпиду). Творчество этого самобытного художника, который порой достигал истинной глубины и редко впадал в поверхностность и напыщенность, надолго останется в памяти.

Барнетт Ньюман - виднейший представитель американского дивизиона абстракционизма. Он родился в 1905 году в Нью-Йорке. Также распространено другое написание его фамилии: Ньюмен. В англоязычных источниках он известен как Barnett Newman.

Сколько картин сохранилось

К слову, художник Барнетт Ньюман уничтожил абсолютно все свои ранние полотна, около сорока лет труда были перечеркнуты и, к сожалению, вовсе не взмахом кисти. Поэтому сегодня, говоря о творчестве Ньюмана, исследователи разбирают исключительно «выжившие» полотна позднего периода в количестве 120 штук, уложившиеся по временным рамкам почти в двадцать пять лет.

Этапы становления

Его родители были выходцами из Польши, евреями по происхождению. Живописи молодой Барнетт Ньюман обучался в Art Students League, известной также как Художественная студенческая лига. Этот период творчества характеризуется экспериментами в стиле автоматизма Джексона Поллока, затем Барнетта Ньюмана увлекает графика, и он с головой уходит в плоскость рисунка с сюрреалистическими тенденциями. Примечательно, что в это же время он создал художественную школу совместно с такими фигурами американской живописи ХХ века, как Ротко, Мазервелл и Базиотис.

Пришло время открыться

Первая персональная выставка, где были представлены исключительно картины Барнетта Ньюмана, была буквально разгромлена художественными критиками в обзорных статьях. Результатом стали затянувшаяся депрессия и нежелание показывать свои работы публике, справиться с чем художник смог только спустя восемь лет, когда решил выставить ретроспективу имеющихся работ. Кроме того, именно в тот период Ньюман уничтожил все свои ранние произведения, так что можно с уверенностью сказать, что он был не только требовательным к себе мастером кисти, но и ранимым.

Наиболее известные работы Барнетта Ньюмана - картины, написанные в период с 1947 по 1970 год. Это программные полотна, названные в патетическом ключе, рассказывающие о беспредметном мире исключительно движением кисти. «Заповедь», «Единство», «Пропасть Эвклида», «Полночная синева» и другие произведения абстракциониста сегодня составляют частные собрания, в том числе коллекцию семьи художника, а также экспонируются в ряде музеев США. Музей современного искусства в Нью-Йорке обладает, пожалуй, наиболее полной коллекцией, охватывающей различные периоды жизни художника.

Манера Ньюмана

Критики причисляют его к представителям американского Такой виднейший теоретик, как Клемент Гринберг, дал этой живописи буквально приклеившееся к ней определение field painting, что ясно показывает разницу между созданными в линеарной манере автоматизма и сверкающими яркими красками большими плоскостями Ротко и Ньюмана. «Живопись поля» намекает вовсе не на пасторальные пейзажи, а характеризует любовь двух мастеров к однотонным большим горизонтальным плоскостям в их работах. Исследователи посчитали, что данная стилистика имеет выраженный философский подтекст, и представленные на полотне границы тонов на самом деле ничего не разделяют, а значит, это живопись, провозглашающая один из главных американских принципов - свободу.

Инспирация

Вдохновение Барнетт Ньюман (художник) черпал из философских величин. Еще в 1947 году он провозгласил высокую цель любого искусства - не быть сиюминутным, обращаться к эпохальным понятиям: жизни, смерти, человеку и природе. Сложные названия, данные полотнам, подчеркивали ту палитру чувств и эмоций, которую художник пытался передать одним лишь цветом в беспредметном мире. К сожалению, художественные критики смогли оценить подобный подход много позже.

Как смотреть на полотна Ньюмана

В среде художников и любителей искусства существует негласное правило: чтобы составить общее впечатление о полотне, необходимо отойти от него на расстояние, равное его высоте. Подобный принцип действовал от Средневековья до Возрождения и много после, однако Барнетт Ньюман настаивал, что его полотна необходимо рассматривать исключительно с близкого расстояния. Что дает такой подход? Эффект погружения зрителя в мир красочных полей. Позднее нью-йоркский мастер даже начал размещать инструкцию о том, как необходимо смотреть на его полотна, прямо на выставках.

Дорогая покупка

То, что не было принято современниками вплоть до позднего периода его творчества, оценили позже и особенно в наше время. Полотна американского мастера абстракционизма периодически всплывают на виднейших торгах, в том числе известнейшем аукционе Sotheby’s. Одно из них, ушедшее с молотка в последнее время, было оценено в 30 миллионов долларов.

И в то же время творчество художника не у всех вызывает исключительно положительные эмоции. Работа Барнетта Ньюмана Onement VI некоторыми названа одним из самых никчемных и отвратительных арт-объектов, когда-либо поступавших на торги. Цена за картину при последней продаже в 2013 году на Sotheby’s составила более 43 миллионов долларов, работа же представляла собой масштабное полотно, залитое синей краской с вертикальной, достаточно ровной полосой.

Творение относят к так называемым молниям в противовес горизонтальным «полям». Общие размеры работы - 2,6 х 3 м.

Барнетт Ньюман «Свет Анны» посвятил своей почившей матери. Строго говоря, эта вещь представляет собой горизонтальный холст внушительных размеров, залитый карминово-красной краской. В 2013 году «шедевр» также был выставлен на аукционе и ушел с молотка за сумму в 106 (!) миллионов долларов.

С технической стороны полотно примечательно тем, что Ньюману пришлось бороться со светоносной силой красного цвета, берущей дополнительную яркость от просвечивающего белого грунтованного холста. Несколько слоев красной краски лишили цвет этого качества и сделали его «глухим» и «скорбящим», таким, каким, по мнению художника, он и должен быть в этой ситуации.