В данной статье Вы найдете полезную и интересную информацию об английских художниках.

Известные английские художники

Ричард Паркс Бонингтон (1802-1828 гг.) — английский живописец и график. Первые художественные навыки сын получил у отца. Сам начал рисовать акварельными красками. Первые произведения обнародовал на выставке в Ливерпульской художественной школе в возрасте 11 лет. Несмотря на преждевременную смерть (умер от туберкулеза), Ричард Бонингтона оставил более четырех сотен (400) картин, акварелей и рисунков.
Известные картины: «Побережье Пикардии» (1826), «Вход в гавань Рио-де-Жанейро» (1827).

Гарольд Грисли (1892-1967 гг.) — британский художник, пейзажист и портретист, последователь своих отца и деда. Грисли родился в Дербишире и учился в художественной школе Дерби. Он был сыном Фрэнка Грисли и внуком Джеймса Стефана Грисли, которые оба были известными художниками. Он прервал свое обучение с началом Первой мировой войны. После войны продолжал обучение в Ноттингеме под руководством Артура Спунер и стал учителем в школе Рептон.
Часть его работ выставлены в Музее и художественной галерее Дерби; 77 его картин пожертвовал музею Альфред Гуди.

Данте Габриэль Россетти (1928-1882 гг.) — английский поэт, художник, переводчик итальянского происхождения, один из основателей «Братства прерафаэлитов» (1848-1853).
Ранний период творчества характеризуется точностью и определенностью манеры; первые его картины больше, чем другие работы прерафаэлитов, напоминают живопись итальянского кватроченто. На картине «Девство Непорочной Марии» Богородица изображена изможденной, подавленной девочкой-подростком
В поздний период художник обращается к мифологическим темам и стилизации.

Джеймс Норткот (1746 — 1831) — английский художник, член Королевской академии искусств.
Был подмастерьем своего отца, а в свободное время рисовал. В 1769 году он оставил отца и стал художником-портретистом. Был принят учеником в студию и дом сэра Джошуа Рейнольдса. В это время он также посещал классы в Королевской академии искусств.
Картина «Молодая принцесса убита в Тауэре» (1786) стала его первой важной работой на историческую тему, за ней последовало «Погребение принцессы в Тауэре». Обе картины, вместе с семью другими, предназначались для Шекспировской галереи Джона Бойдела. Полотно «Смерть Вет Тайлер», которое в настоящее время находится в Гилдголи, Лондон, было представлено публике в 1787 году. Норткот создал около двух тысяч работ и заработал состояние в £ 40,000.

Выставка «Слишком человеческое: Бэкон, Фрейд и век жизненной живописи» в лондонскойсобрала работы художников XX века, работавших в Англии в разные периоды своей жизни. Ее посвятили теме отображения в живописи личных, порой самых интимных переживаний уже ставших классиками авторов.

Прологом к экспозиции стала известная фраза : «Я хочу, чтобы краска работала как плоть» . В ней суть его собственного сверхчувственного отношения к живописи и к изображенным объектам. Подкрепляют ее две знаменитые фрейдовские работы - вязкий маслянистый портрет приятеля-травести художника Ли Бауэри, обнаженного и беспомощного, сидящего в кресле, за несколько лет до смерти и, напротив, реалистичная и почти прозрачная, но не менее интимная «Девушка с белой собакой» из собственного собрания Tate.

Другой британский герой, вынесенный в название, - во многих своих работах также использовал своих друзей и близких для изображения любовных страстей и кризисов, персональных радостей и печалей.

А ретроспективный взгляд кураторов на изображение частной жизни художественных героев начинается еще в начале прошлого века, когда авангардистские течения, захлестнувшие Европу, начали проникать и в английскую школу. Здесь Уолтер Сикерт соседствует с , уже с . Ну а далее в более чем сотне работ экспозиция идет вплоть до звезд наших дней -от до Линетт Йиадом-Боакье.

Stanley Spencer
«Patricia Preece»
1933
Southampton City Art Gallery, Hampshire
© The Estate of Stanley Spencer/Bridgeman Images

Lucian Freud
«Girl with a White Dog»
1950-1951
© Tate

F. N. Souza
«Two Saints in a Landscape»
1961
Tate
© The estate of F.N. Souza/DACS, London 2017

Francis Bacon
«Portrait»
1962
Museum für Gegenwartskunst Siegen. The Lambrecht-Schadeberg Collection

© The Estate of Francis Bacon. All rights reserved. DACS, London

Francis Bacon
«Study for Portrait of Lucian Freud»
1964
The Lewis Collection
© The Estate of Francis Bacon. All rights reserved. DACS, London
Photo: Prudence Cuming Associates Ltd

Leon Kossoff
«Children’s Swimming Pool, Autumn Afternoon»
1971
Tate
© Leon Kossoff

Euan Uglow
«
Georgia
»
1973

British Council Collection

© The Estate of Euan Uglow

Michael Andrews
«
Melanie and Me Swimming»
1978-1979
Tate

© The estate of Michael Andrews

Paula Rego
«The Family»
1988
Marlborough International Fine Art
© Paula Rego

R. B. Kitaj
«The Wedding»
1989-1993
Tate

© The estate of R. B. Kitaj

Frank Auerbach
«Head of Jake»
1997
Private Collection
© Frank Auerbach, courtesy Marlborough Fine Art

Jenny Saville
«
Reverse
»
2002-2003

© Jenny Saville
Courtesy of the artist and Gagosian

Cecily Brown
«Boy with a Cat»
2015
Collection of Danny and Lisa Goldberg
© Cecily Brown
Photo: Richard Ivey

Lynette Yiadom-Boakye
«Coterie Of Questions»
2015
Private collection
Courtesy Corvi-Mora, London and Jack Shainman Gallery, New York
© Lynette Yiadom-Boakye

Художники какой страны внесли особый вклад в развитие мировой живописи?

При таком вопросе часто вспоминают французских художников. Еще . А уж влияние и вовсе ни у кого не вызывает сомнения.

Но вот если брать 18 век и начало 19-го, то важно отметить заслуги английских художников.

В этот период в стране туманного Альбиона работает несколько ярких мастеров, которые изменили в корне мировое искусство.

1. Уильям Хогарт (1697-1764 гг.)

Хогарт жил в непростое время. В начале 18 века в Англии только-только зародилось буржуазное общество, которое пришло на смену феодальному.

Моральные ценности были ещё зыбкими. На полном серьезе достоинствами считались корыстолюбие и обогащение любыми путями. Прямо как в 90-ые года 20 века в России.

Хогарт решил не молчать. А попытался открыть глаза своим соотечественникам на упадок моральных ценностей. С помощью картин и гравюр.

Начал он с серии картин «Карьера проститутки». К сожалению, живописные полотна не сохранились. Остались только гравюры.

Это реальная история о деревенской девушке Мэри, которая приехала в город искать счастья. Но попала в лапы старой сводни. Эту сцену мы и видим на первой гравюре. Став содержанкой, она провела свою недолгую жизнь среди изгоев общества.

Хогарт намеренно переводил свои картины в гравюры, чтобы широко их распространять. Так он стремился достучаться до как можно большего количества людей.

Причем предостеречь он хотел не только бедных девушек, таких как Мэри. Но и аристократов. Судя по его серии работ «Модный брак».

Описанная в ней история была очень типична для того времени. Обедневший аристократ женится на дочери богатого торговца. Но это лишь сделка, не подразумевающая союза сердец.

Самая известная картина из этой серии «Тет-а-Тет» демонстрирует всю пустоту их отношений.

Жена всю ночь веселилась с гостями. А муж лишь под утро ввалился домой, опустошенный от разгула (судя по его пятну на шее, он уже болен сифилисом). Графиня небрежно подтягивается и вот-вот зевнёт. На ее лице читается полное равнодушие к мужу.

И не удивительно. Она завела интрижку на стороне. История закончится печально. Муж застанет жену в постели с любовником. И будет заколот шпагой в дуэли. Любовник будет отправлен на висилицу. А графиня покончит с собой.

Хогарт не был просто карикатуристом. Слишком высоко его мастерство. Сложные и гармоничные сочетания цветов. А ещё невероятная выразительность. Вы легко «читаете» его картины, понимая, каковы отношения между людьми.

Заслуги Хогарта сложно переоценить. Ведь он изобрёл критический реализм. Никто до него никогда не изображал в живописи столько конфликтов и социальных драм.

Рейнольдс не стал изобретать велосипед. Но он установил очень высокие стандарты для всех европейских художников.

3. Томас Гейнсборо (1727-1788 гг.)

Гейнсборо можно по праву назвать самым известным английским художником 18 века. Он жил в одно время с Рейнольдсом. Они были соперниками.

Разница между Рейнольдсом и Гейнсборо видна невооруженным взглядом. У первого – красные, золотые оттенки; величественные, торжественные образы.

У Гейнсборо серебристо-голубые и оливково-зеленые оттенки. А также воздушные и интимные портреты.

Все это мы видим в портрете «Дама в голубом». Никакого накала эмоций. Лишь прекрасный, нежный образ. Чтобы добиться такого эффекта, Гейнсборо работал тонкой кистью почти 2-х метровой длины!

Гейнсборо всегда считал себя в первую очередь пейзажистом. Но необходимость зарабатывать вынуждала его писать портреты на заказ. По иронии судьбы он прославился и остался в истории именно как портретист.

Но художник шёл на компромисс с самим собой. Часто изображая портретируемых на лоне природы. Соединяя ненавистный портрет и любимый пейзаж.

Клиенты не могли определиться, какой из двух портретистов им больше импонируют. И аристократы заказывали портреты и у Рейнольдса, и у Гейнсборо. Они были слишком разными. Но по силе работ не уступали друг другу.

Но в отличие от Рейнольдса, его соперника привлекали ещё простые люди. С одинаковым азартом он писал и герцогиню, и простолюдинку.

Его картину «Девочки с поросятами» Рейнольдс обменял у одного коллекционера на имеющуюся у него картину . Считая, что это лучшая работа его соперника.

Работы Гейнсборо неповторимы по своему качеству. Здесь и неспрятанные мазки, которые на расстоянии делают происходящее живым и дышащим.

Это и плавные, растушеванные линии. Как будто все происходит во влажном воздухе, каким он и является в Англии.

И, конечно, необычное сочетание портрета и пейзажа. Все это выделяет Гейнсборо среди множества других портретистов своего времени.

4. Уильям Блейк (1757-1827 гг.)

Уильям Блейк был неординарной личностью. С детства его посещали мистические видения. А когда он вырос, то стал анархистом. Он не признавал законы и мораль. Считая, что так угнетается свобода человека.

Не признавал он и религии. Считая ее главным ограничителем свобод. Конечно, такие взгляды отражались на его работах. «Архитектор мира» – его резкий выпад в сторону христианства.

Создатель держит циркуль, вычерчивая границы для человека. Границы, через которые нельзя переступать. Делая наше мышление ограниченным, живущим в узких рамках.

Для его современников его работы были слишком неординарными, поэтому признания при жизни он так и не дождался.

Некоторые видели в его работах пророчества, грядущие потрясения. Воспринимая Блейка как блаженного, человека не в себе.

Но официально сумасшедшим Блейк никогда не признавался. Он всю жизнь плодотворно работал. Причём был мастером на все руки. Был и отменным гравёром. И гениальным иллюстратором. Создав невероятные акварели для «Божественной комедии» Данте.

Единственое, что Блейка роднило с его эпохой, так это мода на все ужасное и сказочное. Все-таки в Англии в 19 веке были в чести романтизм и сказочные мотивы.

Поэтому его картина «Дух блохи» вполне вписывалась в общий ряд работ тех лет.

Блейк уверял, что видел душу человека-кровопийцы. Но та была помещена в крошечную блоху. Если бы эта душа поселилась в человека, то пролилось бы немало крови.

Блейк явно родился раньше своего времени. Его работы пугающе похожи на работы символистов и сюрреалистов 20 века. Они и вспомнили об этом мастере 100 лет спустя после его смерти. Он сделался их кумиром и вдохновителем.

5. Джон Констебл (1776-1837 гг.)

Несмотря на аристократическую внешность, Констебль был сыном мельника. И любил работать руками. Умел пахать, строить изгороди и рыбачить. Может быть, поэтому его пейзажи лишены пафоса. Они естественны и реалистичны.

До него художники писали абстрактные пейзажи, чаще итальянские. Но Констебль писал конкретную местность. Реально существующую речку, коттедж и деревья.

Его «Телега для сена» – самый знаменитый английский пейзаж. Именно эта работу когда-то увидела французская публика на Парижской выставке 1824 года.

Особенно были впечатлены молодые . Которые разглядели в этой картине то, к чему сами стремились. Никакой академической помпезности. Никаких античных развалин и эффектных закатов. А лишь обыденная жизнь в сельской местности. Красивая в своей естественности.

После этой выставки Констебль продал в Париже аж 20 своих картин. В родной же Англии его пейзажи почти не покупали.

Но в отличие от Гейнсборо, ради заработка он редко переключался на портреты. Продолжая совершенствоваться именно в пейзажной живописи.

Для этого он изучал природные явления с научной точки зрения. И умел подбирать оттенки очень близкие к тем, что встречаются в природе. Особенно ему удавалось небо, контрасты светлых и темных облаков.

Но Констебль знаменит не только удивительно реалистичными картинами. Но и своими этюдами.

Художник создавал этюд того же размера, что и будущая картина. Работая прямо на открытом воздухе. Это было ноу-хау. И именно этот метод работы потом и подхватят импрессионисты.

Но Констебль по этим этюдам часто писал завершённые работы в студии. Хотя они больше нравились тогдашней публики, были они не такими живыми и полными движения, как наброски.

На Родине осознали величие Констебля лишь в 20 веке. И поныне он – один из самых любимых художников в Англии. Можно сказать, что с таким же трепетом русские относятся к .

6. Уильям Тёрнер (1775-1851 гг.)

Английский художник Уильям Тернер ещё в молодости сумел прославиться и стать академиком художеств. Почти сразу его стали называть «художником света». Потому что солнце часто присутствовало на его полотнах.

Если вы посмотрите пейзажи других художников, то вы редко увидите солнце. Оно слишком яркое.

Эту яркость сложно изображать. Она же бьет в глаза. Искажает все вокруг. Но Тернер этого не боялся. Рисуя солнце и в зените, и на закате. Смело обволакивая его светом все вокруг.

Но Тернер хоть и был академиком и своим званием дорожил, не мог не экспериментировать. Слишком у него был неординарный и подвижный ум.

Поэтому уже через пару десятилетий его работы сильно эволюционировали. В них все меньше деталей. Все больше света. Все больше ощущений.

Одно из самых известных полотен того времени – «Последний рейс корабля «Отважный».

Здесь мы видим немного аллегории. Парусные корабли заменяются паровыми. Одна эпоха сменяет другую. Солнце заходит, а на его смену выходит месяц (слева вверху).

Здесь солнце по-прежнему главенствует. Закат занимает добрую половину картины. А уже в последующих работах художник доходит почти до абстракционизма. Гипертрофируя все свои прежние устремления. Убирая детали, оставляя лишь ощущения и свет.

Как вы понимаете, публика не могла по достоинству оценить такие работы. Королева Виктория отказалась производить Тернера в рыцари. Репутация пошатнулась. Все чаще были слышны в обществе намеки на сумасшествие.

Такова доля всех настоящих художников. Он делает слишком широкий шаг вперёд. И публика «догоняет» его лишь десятилетия, а то столетия спустя. Так и случилось с великим Тернером.

7. Прерафаэлиты

Говоря об английских художниках, сложно обойти стороной прерафаэлитов. Тем более, что в 21 веке они стали очень популярны.

Откуда же взялась такая любовь к этим художникам?

Начинали прерафаэлиты с высоких целей. Они хотели найти выход из тупика академической, слишком застылой живописи. Им надоело писать малоизвестные широкой публике мифы и исторические сюжеты. Хотели показывать настоящую, живую красотку.

И прерафаэлиты начали писать женские образы. Получались они у них очень красивыми и притягательными.

Чего только стоят их рыжеволосые красавицы. Как правило, бывшие их любовницами и в реальной жизни.

Прерафаэлиты стали активно воспевать женскую красоту. В результате кроме этого в них больше ничего и не осталось.

Это стало похоже на постановочные, роскошные снимки для глянцевых журналов. Именно такие образы легко представить для рекламы женских духов.

Поэтому прерафаэлиты так пришлись по душе людям 21 века. В век гламурной, очень яркой рекламы.

Несмотря на очевидную пустоту многих работ, именно эти художники стояли у истоков развития дизайна, отколовшегося от искусства. Ведь прерафаэлиты (например, Уильям Моррис) активно работали над эскизами тканей, обоев и других украшений интерьера.

***

Надеюсь, после этой статьи английские художники открылись для вас с новой стороны. Не всегда только итальянцы и голландцы влияли на мировое искусство. Англичане тоже внесли свою ощутимую лепту.

Коллекционеры антикварной живописи консервативны в своих пристрастиях. Наибольший интерес вызывают итальянские мастера Возрождения, старые голландские и немецкие живописцы, французские импрессионисты и некоторые другие. При этом зачастую художники других стран и эпох заслуживают не менее пристального внимания. Остановим свой взгляд на живописи Англии.

Мало кто назовёт английскую живопись одним из достояний страны, и напрасно. Среди художников Англии немало интереснейших самобытных мастеров, чьи творения украшают лучшие картинные галереи мира и богатейшие частные собрания предметов искусства.

Однако в широких кругах любителей живописи Англия незаслуженно отодвинута на второй план. Не каждый без заминки назовёт имя хотя бы трёх английских живописцев. Попытаемся устранить эту несправедливость, предложив краткий обзор старинной английской живописи с момента её формирования в отдельное, самостоятельное явление мирового искусства.

Истоки английской живописи.

До XVII века об английской живописи можно было говорить только условно. Миниатюры или фрески присутствовали, но на фоне итальянской или голландской школ англичане выглядели бледно. Живопись в стране не поощрялась – господствовавшие в идеологической сфере строгие и суровые пуритане всяческого «украшательства» не приветствовали.

Неудивительно, что авторами первых английских живописных полотен были не англичане. Начинать историю английской живописи следует с трудов великих голландцев Рубенса и Ван Дейка, которые дали могучий толчок развитию английского изобразительного искусства. Но, если исполнение Рубенсом росписей для Уайтхоллского дворца в 1629 году стало для художника, по существу, лишь блестящим дополнением карьеры дипломата (он был главой посольства испанского короля на переговорах с Карлом I Английским), то Антонис Ван Дейк был придворным художником Карла, получил дворянство и похоронен в знаменитом лондонском соборе Святого Павла.

Ван Дейк и приехавшие после него в Англию голландцы Корнелис Кетель, Даниэль Митенс, немцы фон дер Фаэс (Питер Лели) и Готфрид Книллер (сэр Годфри Неллер, любимец Кромвеля) были портретистами. Их картины отличает блестящее мастерство и тонкость психологического наблюдения. Заслуги их были высоко оценены. Все они получили дворянство, а Неллер даже похоронен в Вестминстерском аббатстве.

Господствующим жанром английской живописи был парадный портрет. Исторические и мифологические сюжеты занимали второстепенное место, а пейзажистов были единицы.

Англичане в XVII веке были вынуждены уступать первые роли блестящим иностранцам. Но и среди них появлялись самобытные мастера. Так, Уильям Добсон (1610-1646) начинал с копирования картин Тициана и Ван Дейка, но сейчас шотландские лорды с гордостью демонстрируют в своих замках старинные картины, многие из которых – портреты их предков кисти Добсона.

XVIII век – «золотой век» живописи Англии.

Настоящим прорывом в изобразительном искусстве, который снял с англичан клеймо «вечных учеников», стало творчество Уильяма Хогарта (1697-1764).

Он открыл «золотой» XVIII век английской живописи. Это был новатор и реалист во всех отношениях. Он писал моряков, нищих, собственных слуг, женщин лёгкого поведения. Его единичные полотна или циклы иногда остро сатиричны, иногда глубоко печальны, но всегда очень живы и реалистичны. А светлая жизнерадостность «Девушки с креветками» (1745) просто заставляет улыбнуться в ответ. Этот портрет и любители, и критики единодушно относят к числу самых интересных и жизненных портретов эпохи.

Писал Хогарт также исторические сюжеты, был мастером гравюры. Ему принадлежит авторство эссе «Анализ красоты», посвящённого вопросам целей и смысла изобразительного искусства (1753).

Именно начиная с Хогарта просвещённое общество Европы стало отводить английской живописи достойное её место, английские картины становятся востребованными, а сам художник приобрёл общеконтинентальную славу.

Вторым крупнейшим мастером, на произведения которого следует обратить внимание ценителям антикварных картин, стал Джошуа Рейнольдс (1723-1792), первый президент Королевской академии художеств. Он учился в Англии, провёл три года в Италии, где кумиром его стал Микеланджело. Основным жанром, в котором работал художник, оставался портрет.

Его творения отличает большое разнообразие - от наполненных совершенством и чопорностью парадных портретов знати до очаровательных изображений детей (взгляните хотя бы на чудесную «Девочку с земляникой», 1771).

Отдал дар мастер и непременным мифологическим сюжетам, но персонажи его отнюдь не академичны. Достаточно взглянуть на шаловливую Венеру («Амур развязывает пояс Венеры», 1788) или младенчески серьёзного бутуза Геракла («Младенец Геракл, удушающий змей», 1786).

Рейнольдс был также выдающимся теоретиком искусства, оставившим много трудов, на которых учились поколения живописцев. В конце жизни художника постиг страшный удар – он потерял зрение.

Третьим великим мастером этого периода был Томас Гейнсборо (1727-1788), постоянный соперник Рейнольдса. Гейнсборо, уступая своему оппоненту в тщательности мазка и отточенности техники, превосходил его в оригинальности и непосредственности при передаче натуры.

Надо сказать, портретом Гейнсборо занимался лишь оттого, что этот жанр, в отличие от его любимого пейзажа, давал возможность жить безбедно. Однако портреты его разительно отличались от традиционных. Люди на них по-настоящему живут, они погружены в свой внутренний мир, а не позируют или «погружены в раздумья о великом». Поэтому у Гейнсборо так много семейных и детских портретов – заказчики предпочитали видеть своих близких такими, какие они есть.

Пожалуй, самый знаменитый шедевр Гейнсборо – «Мальчик в голубом» (1770). Тонкая передача внутреннего мира спокойного, полного достоинства юноши, великолепное цветовое решение - всё это ставит Гейнсборо в ряд величайших портретистов Европы XVIII века. С годами живописная манера художника становится всё более свободной, лёгкой и широкой, навевая ассоциации с куда более поздним импрессионизмом.

Однако любимым жанром мастера всегда был пейзаж. Даже в его портретных работах большую, иногда почти равноправную роль играет фон. Кисти Гейнсборо принадлежит множество видов английской природы, наиболее известные из которых «Лес Корнар» раннего периода творчества (1748) и «Водопой» (около 1774-1777).

Говоря об английском пейзаже, нельзя не упомянуть Ричарда Уилсона (1714-1782). Вполне традиционные по композиции и сюжеты картины он расцвечивал яркими живыми тонами. Поэтому современникам его холсты казались слишком естественными, и желающих купить его живопись было немного. Заслуженное признание мастер получил лишь век спустя после смерти. Из других пейзажистов выделим последователей Гейнсборо Джорджа Морленда (1763-1804) и Джона Крома (1768-1821), основателя прославившейся в XIX веке «норвичской» школы.

Во второй половине века в английской живописи выделилось историческое направление, однако по-настояшему выдающихся мастеров в историческом жанре работало немного. Купить историческую живопись считалось своего рода патриотической обязанностью.

Рубеж XVIII-XIX веков. Новые тенденции в английской живописи

Конец XVIII века ознаменовался большими потрясениями. Французская революция и эпоха Наполеона вывели на авансцену новых героев – военных, политиков, борцов. Портретная и историческая живопись приобретают исключительное значение. Но, если одни изображения государственных мужей традиционно исполнены достоинства и важности, то другие несут на себе отпечаток безудержного романтизма, господствовавшего в это время в литературе. Наиболее ярким представителем первого направления стал Томас Лоуренс, второго – Джордж Доу.

«Блестящее, но холодное» (по выражению искусствоведов) искусство Лоуренса (1769-1830) принесло ему огромную популярность на континенте. Признавала его заслуги и родина – долгие годы он был президентом Королевской академии художеств. Портреты его отличает тщательная прорисовка драпировок, одежд, многозначительность лиц персонажей, их чувство собственного достоинства и превосходства. Даже на портрете эпатажно знаменитой, взбалмошной и своенравной леди Каролины Лэм, возлюбленной Байрона, о проделках которой ходили легенды, мы видим спокойную, задумчивую женщину.

По этой причине среди заказчиков Лоуренса столь много особ из знатнейших семей Европы, короли и принцессы. Нередко в угоду клиенту художник переделывал портреты, придавая лицам надлежащую величественность.

Работы Джорджа Доу (1789-1829) наоборот отличала эмоциональность и живость. По словам А. Г. Венецианова, портреты Доу – не портреты, а живые лица. Лучшие свои полотна художник создал в России, где по приглашению Александра I писал портреты для Военной галереи Зимнего дворца. Кисти Доу принадлежит множество портретов виднейших военачальников России, а портрет Александра I его работы считается лучшим изображением императора.

Полотна его писались быстро, буквально в три сеанса, и имели потрясающее сходство с оригиналом. Заказчики оставались в полном восторге. В превосходных словах работу Доу описывал Пушкин. Авторитет мастера был столь велик, что его избрали своим членом академии художеств Петербурга, Лондона, Вены, Парижа, Флоренции, Дрездена, Мюнхена, Стокгольма.

Особое развитие на рубеже веков получает английская пейзажная живопись. Британские мастера этого жанра выходят на первые роли в Европе. Наибольшее влияние на позднейших художников оказал Джон Констебл (1776-1837). Он никогда не был за границей и писал только добрую старую Англию. Виды родины он изображал с предельной достоверностью. Мастер настолько виртуозно владел цветом и светотенью, что, по отзывам современников, в его картинах буквально ощущается свежесть ветра и слышен шум листьев в кронах деревьев.

Конец XVIII века ознаменовался широким распространением акварели. Водяные краски и раньше нередко использовались в Англии, но именно сейчас акварель была оценена по достоинству. Великолепным акварелистом был Констебл, но истинного совершенства в акварели достиг другой корифей английского пейзажа – Джозеф Уильям Тёрнер (1775-1851). Его стихией были море и воздух, два наиболее благодарных предмета приложения усилий акварелиста, стихии стремительные, капризные и изменчивые.

Множество работ Тёрнера написано маслом, однако своим любимым стихиям он не изменял никогда. Даже на вполне традиционных изображениях архитектурных памятников небо и вода – одни из главных действующих лиц. Все картины художника полны световых эффектов, и даже конкретные предметы столько же передают натуру, сколько служат носителями ярких цветовых решений и создают общее настроение картины. Одно из наиболее характерных в этом отношении и, может быть, самое выразительное из его полотен – «Пожар в море» (1834).

Вклад Тёрнера в мировое изобразительное искусство не ограничивается его собственными полотнами. Во время франко-прусской войны знаменитые в будущем Клод Моне, Альфред Сислей и Камиль Писсарро оставили Францию и уехали в Лондон, чтобы изучить творчество английских пейзажистов. Наибольшее влияние на них оказали работы Тёрнера, чьё стремление зачастую жертвовать деталями, но игрой цвета и свободой мазка создать общий эмоциональный настрой картины, стало впоследствии одним из фундаментальных принципов импрессионизма. Поэтому Тёрнера по праву можно считать одним из предтеч этого великого течения.

Середина XIX века. Поиск нового в старом

Вторая половина XIX века рядом критиков характеризовалась как период застоя английской живописи. Того же мнения придерживалась очень популярная в своё время группа молодых художников, организовавшая в конце 40-х годов Братство прерафаэлитов. Члены его призывали к отказу от мёртвых традиций, условностей, академизма современного искусства и возврату к непосредственной и искренней живописи периода «до Рафаэля».

В творчестве членов Братства отчётливо заметно стремление следовать канонам раннего Возрождения. Это выражалось во всём, начиная от сюжета, манеры письма с особым вниманием к деталям и глубокой проработке цвета, и до требования писать только с натуры и сразу на холст. Даже холсты и краски они стремились готовить по средневековым рецептам.

Бунт молодых живописцев против канонов, их смелость скоро вызвали неприятие со стороны чопорного околохудожественного сообщества. Однако активная поддержка авторитетного критика Джона Рёскина изменила отношение любителей живописи к Братству.

Наиболее заметные фигуры Братства – Данте Габриэль Россетти (1828-1882) и Джон Эверетт Милле (1829-1896). Им принадлежит авторство наиболее характерных для Братства полотен – «Смерть Офелии» Милле и многочисленные портреты возлюбленной Россетти Джейн Моррис в виде мифических Прозерпины, Астарты и т. п.

Общество прерафаэлитов распалось на рубеже 50-60-х годов, однако и в последующие десятилетия его влияние было очень ощутимым, причём не только в живописи или поэзии, но и в мебельном искусстве, дизайне книг и прочих прикладных сферах. Судьбы его членов сложились по-разному. Так, если Россетти совсем оставил живопись, то Милле, несколько отойдя от стилистики прерафаэлитизма, остался очень востребованным и сейчас является самым любимым в Англии художником 2-й половины XIX века.

К концу столетия в Англии всё больше ощущается влияние французских художников – реалистов и импрессионистов. Одним из наиболее интересных представителей английской школы этого периода был уроженец США Джеймс Мак-Нил Уистлер, портретист и пейзажист (1834-1903). Он писал в традиционной технике, однако любовь к тонким светотеневым эффектам, зыбким, неустойчивым состояниям природы роднит его с импрессионистами.

Пейзаж и в конце XIX- начале XX вв. остался коньком английских живописцев. Из последователей импрессионизма можно назвать ученика Уистлера Ричарда Сиккерта (1860-1942), из традиционных пейзажистов – Джорджа Тёрнера и его сына Уильяма Лакина Тёрнера (1867-1936) , Фредерика Такера (1860-1935) и других. Они в полной мере усвоили наследие своих знаменитых предшественников и достойно представляли английскую живописную традицию в европейском искусстве. Творчество последних двух мастеров представлено в нашей коллекции.

Даже беглый взгляд на творения мастеров, о которых говорилось в этой статье, позволяет понять притягательную силу старинной живописи. Не будем забывать, что купить картину – это не просто выгодно вложить капитал. Это в первую очередь принесёт в дом прекрасное, плод вдохновения мастера, частицу его бессмертия.

По окончании Первой мировой войны британское искусство, казалось, оробело, будто охваченное чувством собственной незначительности в сравнении со столь катастрофическими событиями. Художники континентальной Европы вновь ударились в модернизм, но британские по-прежнему колебались. И все же последующие четыре десятилетия подарили стране новаторов; правда, они работали каждый сам по себе. Для многих образ (фигура) человека, пусть и в самых неестественных формах, оставался главной темой творчества. Несколько родственных душ объединили свои творческие усилия. Абстрактный экспрессионизм Пикассо нашел отклик у художников группы Unit One («Первое подразделение») из корнуолльского городка Сент-Айвз. Такие мастера, как Стэнли Спенсер, Август Джон и Люсьен Фрейд, постепенно изменяли каноны фигуративной живописи. Особенно большой вклад в разрушение традиции внес Фрэнсис Бэкон со своими гротескными портретами. Основатель Unit One Пол Нэш, прославившийся своими картинами на тему Первой мировой войны, показал зрителю сюрреалистический взгляд на британский пейзаж; Джон Пайпер, еще один военный художник, стал зачинателем стиля неоромантизма, экспериментируя с цветом в полных драматизма пейзажах.

Стэнли Спенсер шокировал своих современников, создавая полотна с изображением библейских сцен в обрамлении идиллических картин сельской жизни Британии межвоенного периода. Во время Второй мировой войны он пишет серию картин, на которых запечатлен тяжелый труд судостроителей на верфях на реке Клайд. В его более позднем творчестве усиливается сексуальное начало. Портреты в жанре «ню» второй жены Спенсера побудили президента Королевской академии художеств обвинить художника в непристойности. Но что бы ни изображал Спенсер, его фигуративистский стиль отличает виртуозная точность.

Генри Мур - выдающийся британский скульптор XX века. Изучив раннее южноамериканское искусство в 1920-х годах, йоркширец Мур десятилетием позже обратился к абстракционизму. Отталкиваясь от искусства Пикассо, в своем творчестве он прогрессирует от бесформенных объемных масс к созданию плавных женских форм, которые будут основным мотивом его скульптуры вплоть до 1980-х годов. «Мои огромные возлежащие фигуры, — говорил Мур, - порождены природой» - возможно, поэтому они совершенно естественно смотрятся в садово-парковой среде.

Подруга Мура Барбара Хепуорт тоже любила абстрактные формы, но трактовала их как символы природы, а не как фигуры. Работая с металлом, деревом и камнем, она создавала биоморфные образы с осязаемой на вид фактурой. Для композиций Хепуорт характерно наличие отверстий, плавно вписанных в скульптуру. Пожалуй, ее самая известная работа - «Одиночная форма» (Single Form, 1963), находящаяся в здании Генеральной Ассамблеи ООН в Нью-Йорке. Хепуорт погибла во время пожара в своем доме-мастерской в Сент-Айвзе в 1975 году.

Фрэнсис Бэкон был самым значимым британским художником XX века. Он не имел специального образования, но в пору ранней зрелости регулярно посещал все художественные галереи Парижа, Берлина и Лондона. Огромное влияние оказало на него творчество Пикассо. В 1945 году он выставляет в Лондоне свою работу «Три этюда фигур в ногах распятия» (Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion, 1944) - жуткие сюрреалистические композиции из антропоморфных форм, напоминающих то ли людей, то ли животных или бог весть кого еще. На следующее утро Бэкон проснулся знаменитым. Он писал в стиле фигуративизма, но его портреты - развороченные, будто вывернутые наизнанку, «деформированные и затем преобразованные» фигуры, как однажды сказал сам художник, оставляли неизгладимое впечатление. В основе некоторых его картин лежат произведения классики. Таков, например, его орущий понтифик - искаженный до неузнаваемости оригинальный образ сурового папы Иннокентия X с портрета Веласкеса. Открытые вопящие рты - повторяющийся мотив в его работах. Бэкон также имел обыкновение писать лица рядом с кусками мяса, намекая на их психологическое сходство.

Люсьен Фрейд , внук Зигмунда Фрейда, в юности вместе со своей семьей эмифировал в Британию из нацистской Германии. Немало позаимствовав из стиля Стэнли Спенсера, он развил реалистичный прозаический подход к изображению человеческой фигуры, накладывая краску густыми слоями. С возрастом Фрейд постепенно менял и свою трактовку человеческих образов, без всякого милосердия изображая людей все более натуралистично, со всеми их шишками и бородавками. Фоном для его сидячих, обычно обнаженных апатичных фигур служили грязные, непривлекательные комнаты. Широко известный как искусный художник, Фрейд продолжил писать и в XXI веке. В 2008 году его портрет спящей обнаженной работницы социальной службы стал самым дорогим произведением искусства живущего художника: он ушел с аукциона за 17,2 миллиона фунтов стерлингов.